 |
2년 전 스테판이 뉴욕의 한 스튜디오에서 생애 첫 녹음 작업을 마친 직후 그를 인터뷰했을 때의 기억이 떠오른다. 그와의 대화에서 지금까지도 유달리 잊혀지지 않는 것은 레퍼토리에 대한 확고한 주관과 음악에 대한 초지일관적 진정성이었다. 농밀한 감정의 표현을 요구하는 브람스 소나타를 데뷔앨범 레퍼토리로 선택한 것에 대한 우려성 질문에 그는 "분명한 것은 저는 지금의 제가 바라보는 브람스를 연주한다는 거예요. 훗날 다시 브람스를 연주하고 녹음한다면 그때는 그때의 스테판이 느끼고 이해하는 브람스가 담기겠죠."하고 답했다. 20년 후에는 무엇을 하고 있겠느냐는 통과의례적 마지막 질문에 스테판은 1초의 망설임도 없이 “다시 브람스를 녹음하고 있을 것”이라는 명쾌한 답변을 선물했다. 그리고 그 해 ‘그 브람스’를 가지고 그는 음반과 공연으로 국내 관객들에게 신고식을 치렀다.
그런 그가 이번에는 ‘MODERN & MODERNITY’라는 주제로 청중과의 두 번째 만남을 갖는다는 것이다. 자신에게는 이미 ‘고전’에 속하는 스트라빈스키, 코플란드를 비롯한 20세기 작곡가들의 작품을 주로 소개한다니 퍽이나 ‘스테판스러운‘ 선택이다. 자신에게 아주 잘 맞는 옷을 찾아입고 무대에 오르는 연주자의 모습을 지켜보는 일은 관객에게도 신나는 일이다. ‘애국가’에서 ‘가요’ 취향까지 한국 관객들이 선호하는 레퍼토리를 줄 세울 줄 아는 영리한 신세대 젊은이들을 심심찮게 만나게 되다보니, 스테판의 당돌함이 더없이 산뜻하게 다가온다. 마치 입 안에 진초록 민트향기가 통쾌하게 퍼지는 것 같은 느낌이다.
그의 ‘2년 전 브람스’를 기억하는 관객이라면, 후반부에 연주될 슈트라우스를 통해서 이번 공연으로 쉽게 넘어올 수 있다. 후기 낭만파의 대표적 작곡가 슈트라우스는 바그너의 영향이 지배적으로 나타나기 이전 초기작에서 브람스의 서정성에 수렴하는 작품들을 남겼는데, 그 대표적인 작품 중 하나가 바로 이번에 스테판이 연주할 바이올린 소나타이다. ‘낭만파’ 타이틀을 달긴 했지만 실제로는 20세기의 절반을 살다 간 이 복잡한 거장은 작곡가로서 활동 초기인 20대 초반 스테판의 나이와 비슷한 청년기에 기쁨과 승리감, 연약함과 아름다움 등이 화려하게 녹아들어 있는 이 곡을 썼다. 스테판은 한 때 경박하다고 비난 받기도 했던 2악장 (improvisation)의 독특한 아름다움을 강조했는데, 개인적으로 다른 세 곡의 현대성을 상대적으로 완충시켜줄 이번 공연의 낭만지대에 대한 그의 해석이 자못 궁금하다.
| 
스테판의 음악 스타일을 굳이 단답식으로 규정짓는다면 ‘균형’ 내지는 ‘조화’라는 단어만큼 적합한 것이 있을까 싶다. 천진함과 성숙함, 밝음과 어두움, 지성과 감성, 민첩함과 여유로움, 으쓱함과 겸손함 등과 같은 다소 상반된 정서가 조화롭게 균형을 이루며 스테판의 음악세계를 구축해낸다. 흥미롭게도, 스테판과 이야기를 나누어보면 그 자신도 부지불식간에 균형점을 찾는 일에 상당히 신경을 쓰고 있다는 것을 알 수 있다. 그는 좋은 연주를 하기 위해서 연주자는 ‘자신감(confidence)‘과 ‘겸손함(humility)‘이라는 상반된 감정을 함께 끌어안아야 한다고 한다. 자신감을 유지하기 위해 수없이 연주되었을 어떤 곡에 새로운 의미를 부여하는 사제라도 된 듯 자기신뢰의 최면을 건다. 그것만으로는 충분치 않다. 연주자는 작곡가와의 관계에서 결국 그를 투영해 내는 ’그릇‘에 불과하기에 결코 작곡가보다 앞에 나서서는 안 되며 충분히 낮아져야 한다. 좋은 연주자가 되는 것은 이들 감정 간에 까다로운 균형을 찾아가는 고도의 정신적 훈련이라는 것이 스테판의 생각이다.
그러한 균형에의 추구는 그의 일상에서도 나타난다. 잦은 여행으로 인해 이동하며 보내는 시간이 많은 스테판은 연습과 연주로 빡빡한 일정 중 짬을 내어 즐기는 독서와 달리기를 통해 생활의 균형감을 유지한다고 한다(하루키의 소설과 스니커즈는 그의 여행가방에 필수품들이다). 알려졌듯 스테판은 대다수 연주자들처럼 도제식 예술학교에서 조기수학하기보다 최근까지 평범한 인문계 고교 및 대학과정을 통해 성장했다. 하버드의 문을 두드린 것은 존 아담스, 앨런 길버트, 요요 마 등과 같은 미국의 엘리트 음악가 대열에 들어서겠다는 야심보다는 세상에 대한 호기심이 넘치는 스테판에게 다양한 친구들을 만나 다양한 체험을 하고 싶었던 동기가 더 컸다.
이런 소신은 스테판의 음악관과도 직접 연결된다. 클래식 음악은 박물관 유리 너머 전시되어 있는 박제된 존재가 아니다. 그런 의미에서 ‘접근성’의 보장이 중요하며, 그것에 실패하면 그 누구에게도 득이 되지 않는다는 것이 스테판의 생각이다. 그는 연미복을 고수하지도 않고 다운타운의 어두컴컴한 클럽에서 맥주를 손에 든 관객들과 섞여 흥겹게 연주할 줄 안다. 탐이 나는 프로필을 갖추고 있음에도 스테판은 연주회장에 온 관객들이 프로그램 책자 안의 경력 소개 이외에 연주자의 인간적인 면모를 알 길이 없음을 아쉬워한다. 그런 의미에서 그는 최근 각광받고 있는 소셜 미디어를 통한 팬들과의 소통에 큰 의미를 부여하며 이 가상공간들을 통해 진지한 관객들과의 관계를 쌓아가고 있다고 믿는다. 올 여름 유튜브 심포니 오케스트라와의 멋진 협업은 웹 2.0시대 그의 소신에 정확히 들어맞는 작업 중 하나였다.
|
동료들과 경쟁하기보다는 동료들과 즐기는 방식을 선택해 온 스테판에게 앙상블 디토의 구성원으로서의 행보를 통한 동료 및 청중과의 즐거운 음악적 소통도 같은 맥락이다. 이의 연장선상에서, 스테판은 의심없이 21세기가 요구하는 아마추어 문화, 이른바 애호가 문화의 열렬한 찬양자의 대열에 서 있다(그가 프로그램 구성에 대해 설명하며 가장 자주 쓴 표현은 “이 곡을 좋아해서, 그래서 또한 잘할 수 있어서”라는 것이었다). 그는 자신이 시도해 본 많은 것들 중 가장 사랑하는 것이 음악임을 늦지 않게 알아차렸고 그래서 음악을 직업적으로 해야겠다고 결정했다. 또래 연주자들이 경연장 무대 뒤에서 가슴 졸이고 있을 때 ‘이끌리듯’ 가장 사랑하는 일을 택하게 됐다니, 거창한 수식어가 붙은 예술가로 불리기보다 행복한 ‘바이올린쟁이‘가 되고프다니, 그는 진정한 행운아이다.
스테판의 연주는 언제나(대극장 콘서트에서나 격식 없는 자리에서나) 어디서나(뉴욕에서나 서울에서나) 균일한 만족감을 선사한다(그렇다. 이 호리호리한 젊은이의 든든한 비르투오서티는 좀처럼 객석에 불안할 틈을 주지 않는다). 결코 들이대거나 꾸며대는 일 없이 정직한 예술성 그 자체를 통해 밀도 있는 연주력을 보여준다는 점에서 기분이 좋다. 음악을 대하는 자세에 물러섬이 없지만 자신만 쳐다보게 하느라 위대한 작곡가들을 가리거나 하는 결례를 범하지 않는다. 그 작곡가가 가장 추구했을 형태의 연주를 이끌어내고자 매 순간 노력하기에 그의 음악은 언제나 준비되어 있지만, 또한 동시에 언제나 진보하는 중이다. 식상해질 틈 없이 성장하는 스테판의 음악을 찾아가는 일이 아직까지 내게도 지루해질 틈 없는 이유다.
|
|